Вышедший в 1998 году американский фильм “Сфера” является экранизацией научно-фантастического романа американского писателя Майкла Крайтона.

Разносторонне развитый и эрудированный Крайтон свои произведения основывал на интересных философских и научных проблемах.

Сюжет “Сферы” исследует вопросы контакта с инопланетным разумом, возможных последствий доступа человечества к технологиям, которые намного опережают доступные нам сегодня и некоторые другие интересные гуманитарные и научные вопросы.

Основные события фильма разворачиваются под водой. Ограниченное пространство ожидаемо давит на зрителя и создает ощущение дискомфорта.

Подобный прием использовался не впервые. Наиболее успешным и известным фильмом подобного плана явился фильм “Бездна” (1989). Это было настоящее событие в мире кино. Главную роль сыграла Мэри Элизабет Мастрантонио.

“Сфера” вышла через девять лет после “Бездны” и, конечно же, не явилась идейным первооткрывателем.

Собственно, отсутствие новизны и является основной проблемой творения режиссера Барри Левинсона. Зритель был уже готов к подобным визуальным эффектам.

В целом, композиция фильма была довольно типичной для данного жанра. Это своего рода коридорный хоррор. Например, от того же “Чужого” фильм отличается в плане пространства тем, что события там развиваются на космическом корабле, а не на подводной станции. Но зритель видит, в общем-то, те же коридоры.

А вот центральная линия фильма отличается сильно. И как здесь не вспомнить про “Солярис” Станислава Лема?

Несмотря на громкие имена: Дастин Хоффман, Шэрон Стоун, Сэмюэл Л. Джексон, – фильм выглядит бледно. Режиссеру не удалось раскрыть персонажей. Контакта со зрителем нет.

Фильм не влияет на зрителя эмоционально. Оттого смотреть его довольно скучно. Думающий же, зритель, хоть и не получит бури впечатлений, зато получит почву для размышлений о человечестве и его будущем.

Фильм однозначно понравится тем, кто “любит глазами”. Кажется, что создатели пытались повторить и преумножить с учетом современных технических возможностей те визуальные эффекты, которые были в оригинальном фильме “Бегущий по лезвию” (1982).

Это же касается и общего стиля фильма. Все сцены выглядят безупречно и гармонично: и относительно статичные, и масштабные панорамные. Цветовые решения, работа со светом, работа с глубиной пространства, добавление атмосферных явлений (пыли, тумана, снега) – все это выглядит очень красиво.

Видно в каждом кадре, сколько вложено труда в конечную картинку.

Впечатлили сцены с Джаредом Лето. Пугающий эффект в них добивается за счет выбора и оформления пространства и игры света. Именно свет играет большую роль в сценах с актером.

Приглашение Аны де Армас – еще одно удачное решение. Красивая девушка и интересная роль. Здесь есть не только визуальная составляющая, но и философская.

Также фильм запоминается музыкой. И эта часть фильма выглядит очень достойно даже на фоне оригинала тысяча девятьсот восемьдесят второго года.

Акцент также сделан на мрачной электронной музыке – эмбиент. Композиторы Ганс Циммерман и Бенжамин Воллфиш черпали вдохновение и обращались к оригинальным произведениям Вангелиса.

Сочные и широкие синтетические звуки, напоминающие трубы, поддерживаемые плотными басами, дополняют впечатляющую визуальную картинку. В мелодиях и композициях есть отголоски классической оркестровой музыки. Конечный результат заставляет трепетать. Звучание гипнотизирует.

Удивительно, что в современном мире, переполненном электронной музыкой, композиторам и звукоинженерам удалось создать что-то, что способно привлечь внимание и быть ярким и запоминающимся.

Тут, конечно, приходит на ум музыка из фильма “Обливион”. Похожие эмоции.

Ну а дальше пойдут “но”.

Фильм имеет хронометраж – 164 минуты. И это влияет на впечатление о нем – он слишком длинный.

Здесь уместно вспомнить, что восприятие чего-либо зависит от дозы: яд в малых дозах – лекарство.

Эмбиент, сам по себе, является довольно сложной для восприятия музыкой. Она вводит человека в состояние транса или гипноза. И от этого состояния человек может устать. Если, например, тридцать минут такого состояния – благо, то два с половиной часа – это уже мучение.

Именно это и происходит с фильмом.

Длинные фильмы – это, вообще, особый вид творчества, требующий от зрителей сил. Тем более, когда речь идет о походе в кинотеатр. Это хождение по лезвию (хм), рискованный эксперимент.

И стоит сказать, что ни один из фильмов подобного хронометража не был легкой прогулкой: высидеть в кинотеатре два с половиной часа, независимо от происходящего на экране, довольно сложно. По субъективным ощущениям продолжительность “Титаника” (194 минуты) является максимальной для комфортного положения зрителя.

Но тут возникает вопрос о том, что некоторые истории требуют глубокого погружения, некоторые идеи видятся создателям в определенной форме. Хотя, конечно, можно предположить, что замах на большой хронометраж может быть результатом завышенного эго режиссера, но это слишком тонкий момент для анализа.

В общем, “Бегущий по лезвию 2049” нещадно затянут, хотя, вполне вероятно, что будь он короче, он бы не производил того впечатления, которое он производит.

Усугубляет ситуацию пустоватый сюжет, хотя, опять же, тут все спорно. Потому что длительность фильма, в том числе, связана и с особенностями стиля фильма, где своеобразная медлительность и тягучесть – это как раз характерная черта.

Тут, знаете, скорее всего, речь идет о каком-то субъективном восприятии: кому-то, возможно, фильм покажется вполне легким и гармоничным, а кому-то смотреть его будет тяжело.

Последний нюанс, о котором хотелось бы сказать – это кажущаяся невыразительность главного героя в исполнении Райана Гослинга. Для своей роли он слишком мягкий. Но, возможно, что внешность и типаж персонажа отвечают веяниям времени: какое время, такая и “брутальность”. Как кажется, он куда более гармонично смотрится в фильме “Барби”, смотреть который не рекомендуется.

А по поводу “Бегущего по лезвию 2049” можно однозначно сказать то, что фильм заслуживает просмотра… хотя бы и по частям.

Кино представляет собой не кино, а довольно посредственный с точки зрения картинки видеоряд. А монтаж делает этот видеоряд похожим на странную психоделическую смесь, призванную погружать зрителя в гипнотическое и очень некомфортное состояние.

Для этого используются частые и резкие склейки, частое мерцание в кадре.

Места для актерской игры и эмоций в фильме нет. Его заменили на частокол из видеоконтента и графики на хромокее и переднем плане.

А если эмоции и показываются в фильме в перерывах между вышибанием мозгов, картинами льющейся отовсюду крови, стрельбы и различного разврата, то все эти эмоции деструктивные: гнев, отчаяние, страх, злость, психоз, стресс. Забавный такой получается списочек.

Любопытно отметить и идейную составляющую фильма: подросток контролирует взрослого. Это именно то, чего добиваются силы, стремящиеся к контролю над миром: разрыв связи поколений. Дети главные, а взрослые – это так… пшик.

Для картинки выбран нефритовый цветовой фильтр, оказывающий довольно странное воздействие на зрителя: вроде бы нет отторжения, но это выглядит максимально странно.

Сначала несуразные актеры, их ненатуральность, поверхностность и корявость воспринимались как свидетельство второсортности фильма, но потом возникла альтернативная идея: ведь, по сути, в реальной жизни мы и сталкиваемся именно с такими типажами в качестве клерков мелкого пошиба.

Сценаристы явно использовали при создании фильма идею “Бегущего человека, который, в свою очередь, основан на одноименном романе Стивена Кинга, а также идею “Матрицы”.

Правда, в случае с “Геймером” сделано все на порядок хуже, что, возвращаясь к мыслям о второсортных персонажах, напоминает реальность, скорее всего, не вследствие замысла создателей, а вследствие как раз их собственной посредственности.